Ree Morton inició relativamente tarde una carrera y finalizó prematuramente al morir en un accidente de tráfico en 1977, cuando apenas tenía 41 años. Sin embargo, en solo ocho logró crear una intensa obra pictórica y escultórica utilizando una gran diversidad de materiales, generalmente efímeros -como la madera, la piel o el celastic- que aludían a sensaciones corporales. Su trabajo, próximo a lo que la crítica de arte Lucy R. Lippard definió como la “abstracción excéntrica», se caracteriza por una enérgica reacción contra el expresionismo abstracto de posguerra.
El Museo Nacional Reina Sofía acoge desde el 19 de mayo y hasta finales de septiembre una exposición titulada Sé un lugar, sitúa una imagen, imagina un poema, con más de 100 obras de la artista neoyorquina, apenas conocida en nuestro país.
Sus primeros pasos artísticos se acercaban al minimalismo y al posminimalismo, aunque contrarrestando sus dogmas -la no composición, la serialidad y los materiales industriales- con el tono personal de su arte, que consistía en “tratar los temas serios con ligereza e ironía, pero sin caer en la frivolidad”.
La exposición ocupa casi toda la tercera planta de la pinacoteca. En la primera sala, un arco de madera pintado con pastel y acrílico funciona como puerta de entrada al visitante que quiera adentrarse en el arte de Morton. Pertenece a la serie Untitled (1971-1973), en la que la artista formuló un sistema personal de organización relacionado con las formas arquitectónicas arquetípicas y las proyecciones horizontales de lugares históricos. En el lienzo se representan dos ramas ahorquilladas, con forma de Y, que se corresponden con las dos frágiles ramas que sirven de soporte a la estructura.
En la muestra también destacan los Wood Drawings (dibujos de madera) que forman parte de
una serie de montajes experimentales, compuestos por piezas de madera deterioradas de distintas formas y tamaños, a las que la artista añade clavos, tornillos o bisagras. Sobre estas estructuras sencillas, similares a relieves, Morton dibuja puntos y retículas con rotuladores de colores.
La exposición continúa mostrando los primeros dibujos de la artista, realizados entre 1968 y 1970. Pero, sin duda, la parte más interesante de la exposición la conforman sus últimos trabajos realizados a partir de 1973, su período más fructífero e interesante. Entre todos ellos, sobresalen la instalación formada por cuatro piezas Souvenir Piece (fragmentos de madera y piedras recogidos durante un viaje familiar, colocados sobre una plataforma verde que guarda cierto parecido con un embarcadero) la obra See-Saw (similar a un balancín pero con uno de los respaldos de los asientos colocado al revés), y To Each Concrete Man (una instalación con aire misterioso y evocación teatral, dividida en dos escenas de estructura muy diferente, donde las paredes grises aparecen salpicadas de tarjetas de colores vivos).
Finalmente merece la pena nombrar la instalación Something in the Wind, con más de cien banderas en las que la artista tejió a mano un nombre de pila y un dibujo: pájaros, abanicos, mariposas… Cada bandera se concibió pensando en una persona determinada del círculo de familiares, amistades y colegas de la artista. Para acabar, Manipulations of the Organic, un homenaje al arquitecto Louis Sullivan, fue la última obra importante que realizó antes de fallecer y es la que cierra la exposición.
Hoy, cuando el trabajo de muchos artistas se asemejan al de Lee Morton, es difícil imaginar cómo esta mujer que desarrolló su obra al margen de los lenguajes dominantes del momento, revolucionó los cánones a principios de los 70. De lo que no cabe la menor duda, al finalizar el recorrido por esta muestra, es del talento natural de esta artista norteamericana.
