Toda una generación tiene en su imaginario algún corto de Pixar, ya sea de los que se proyectaban antes de la película o los que se incluían en los DVD; pero los Sparkshorts son mucho más que eso, son una carta de amor del estudio a la animación y a sus propios animadores.
La historia
Cuando se piensa en animación, son muchos estudios los que pueden venir a la mente, pero si se habla de cortos animados Pixar se eleva sobre todos los demás.
Aunque Las aventuras de André y Wally B es el primer corto de la compañía, Luxo Jr. es la pieza que daría comienzo a una de las tradiciones más queridas y arraigadas de la animación: la proyección de un corto en cines antes del inicio de la película. Desde 1999, ir a ver un largometraje de Pixar implicaba esa pequeña dosis de magia de regalo.
Sin embargo, Pixar siempre quería ofrecer a su público un poquito más, por lo que cuando las películas llegaban a los hogares en formato DVD, estos incluían cortometrajes relacionados con el filme, como El coche nuevo de Mike de Monstruos S.A (2001).
De esta manera Pixar ha acostumbrado a varias generaciones a recibir cortometrajes de gran calidad, cuatro de ellos se han alzado con el Óscar, solo por el hecho de querer ver una de sus películas. Pero el mayor gesto de amor realizado por Pixar a la animación fue totalmente ajeno al público durante mucho tiempo: el programa Sparkshorts.
Nacido de una iniciativa interna para explorar los talentos que ya trabajaban en el estudio y darles la oportunidad de crear una historia propia sin más limitaciones artísticas que un tercio del presupuesto con el que normalmente cuentan los cortometrajes, el programa Sparkshorts funcionó durante años como una especie de show de talentos, donde animadores saltaban a la dirección de un proyecto que, con casi toda seguridad, solo sería visto por sus compañeros.
Así, creados en tan solo seis meses, los tres primeros Sparkshorts se publicaron en el canal de YouTube del estudio a lo largo de febrero de 2019. Purl, Smash and Grab y Kitbull establecían el tono del proyecto: personal y emotivo, sin dejar de lado la comedia. Sin embargo, y a diferencia de los cortos a los que Pixar nos tenía acostumbrados, las historias eran más adultas y mostraban de una manera más abierta el conflicto, pues en Purl Kristen Lester desarrolla las dificultades a las que se enfrenta una mujer al introducirse en un entorno laboral predominantemente masculino, mientras que Brian Larsen aborda la ansiedad y nerviosismo por los que pasa cualquier candidato en un proceso de selección en Smash and Grab; y Kitbull ahonda en el proceso de sanación de un gatito herido y su relación con un pitbull maltratado por su dueño.
Otra gran diferencia con los cortos canónicos del estudio es la variedad en el estilo de animación, que va desde el CGI más moderno a un 2D dibujado a mano, que genera un aspecto más experimental e innovador.
Desde entonces, ya son diez los Sparkshorts publicados que pueden verse en Disney+, donde Float (Bobby Rubio, 2019) fue el primer corto de estas características en estrenarse.
Las mentes tras las historias
Una de las funciones originales del programa de cortos era la de ofrecer un espacio de creación libre a los trabajadores de Pixar para descubrir los talentos que ya trabajaban dentro del estudio. Erica Milsom, Louis Gonzales y Aphton Corbin fueron tres de los seleccionados para formar parte de las siguientes ediciones de Sparkshorts.
Con trayectorias totalmente distintas, cada uno tuvo un acercamiento distinto al mundo de la animación. Por ejemplo, Milsom reconoce que nunca se había planteado trabajar en este ámbito hasta que entró en Pixar como ayudante de edición en un documental sobre Buscando a Nemo (2002). “Nunca había visto una película de Pixar”, explica entre risas, “pero allí descubrí mi amor por la animación y los miles de manos por las que pasan las películas”.
De manera similar, Gonzales tampoco tenía una gran relación con Pixar hasta que se unió al estudio, pese a tener muy claro que su vocación era la narración de historias a través de la animación. “No me importaba mucho, la verdad. Pensaba que sería una buena oportunidad donde aprender informática en una de las grandes empresas y que a los tres años me iría a Los Ángeles”. Sin embargo, su percepción cambió por completo al descubrir que toda la compañía estaba unida por un mismo deseo de hacer buenas películas y decidió quedarse hasta el día de hoy.
Por el contrario, Corbin creció viendo las películas del estudio, “toda mi infancia vi Toy Story (1995) y cuando Andy se estaba yendo a la universidad, yo también. Se convirtió en un ambiente familiar”. Ya en el instituto, viendo Up (2009), se planteaba la animación como un trabajo que le gustaría hacer.
«Quise explorar este espacio del que había sido parte y nunca había visto en pantalla»
Erica Milsom
Algo en lo sí coinciden los tres es que el plan ha permitido visibilizar perspectivas menos hegemónicas, como la de Louis Gonzales, el director de Nona. “Cuando me ofrecieron formar parte del programa solo sabía que quería ver a gente como yo en la pantalla” explica. El cineasta llevaba dieciocho años trabajando en Pixar y encontró en los Sparkshorts un nuevo reto que le devolviese la motivación y el entusiasmo. Erica Milsom tuvo una experiencia similar con Loop: “te preguntas en qué mundos has entrado que poca gente ha experimentado”. Así nacía la idea de centrar el corto en la experiencia sensorial de las personas del espectro autista. “Quise explorar este espacio del que había sido parte y nunca había visto en pantalla” explica Milsom.
La inspiración de Aphton Corbin para Twenty Something nació, sin embargo, del propio proceso de creación del corto, aunque ella ya había formado parte de un Sparkshort anterior, en concreto de Purl, donde prestaba su voz a uno de los personajes secundarios. “Sabía que quería dirigir en algún punto, pero cuando tuve que hacerlo estaba muy ansiosa, pensaba que no tenía las cualidades necesarias aún, así que decidí plasmar esos sentimientos”.
De esta manera, al nacer todos los cortos de experiencias muy personales, el proceso de desarrollo se plantea de manera distinta en cada caso. En Loop, Milsom encontró la clave de la dirección en sumergirse de lleno en el mundo que quería narrar, para después poder compartirlo con todo el equipo creativo. “Les contaba todo lo que había aprendido en el proceso de escritura para que luego pudiesen aplicarlo en su tarea concreta” aclara y pone el ejemplo del diseñador de vestuario que, tras conocer las dificultades sensoriales de las personas en el espectro, creó para la protagonista un conjunto sencillo, sin muchas texturas, botones o cremalleras.
Para Corbin, en cambio, la flexibilidad era el aspecto más importante. “Aprendes que no puedes tener todo lo que quieres y eso te obliga a pensar de manera diferente”, explica y añade que “hay muchas veces que el resultado alternativo te gusta más que el originalmente tenías pensado”.
Gonzales se centró en la motivación de su equipo. “Quería cultivar el sentimiento que encontré cuando llegué a Pixar”, además comenta que para él lo más importante es que su grupo sintiese que confiaba en él para que tuviesen el valor de probar cosas nuevas. “Si mi equipo sabe lo emocionado que estoy de hacer este corto, con suerte, ellos se emocionarán y se involucrarán más. Es la única manera de que el proyecto mejore”.
«En el corto puedo reproducir esta fantasía de dos mujeres a las que adoro pasando tiempo juntas y teniendo un momento especial»
Louis Gonzales
Los Sparkshorts, han tenido también una aplicación personal para sus directores. “Tras ver cientos de vídeos de personas en el espectro autista hablando de su experiencia en el mundo y que la gran mayoría hablase de una dificultad a la hora de hacer amigos por su manera de comunicarse o relacionarse, me pregunté qué podría hacer el corto por ellos” explica Milsom y añade que la finalidad última de Loop es “ayudar a alguien a ser un mejor amigo”. Corbin reconoce que Twenty Something fue para ella la manera de gestionar y procesar su propia ansiedad a la hora de hacer algo por primera vez, tanto en el presente como en el pasado. “Los tres personajes que forman a Gia son versiones de mí misma a esas edades”. Gonzales, por su parte crea en Nona un recuerdo que nunca existió. “Mi abuela y mi hija nunca llegaron a conocerse y en el corto puedo reproducir esta fantasía de dos mujeres a las que adoro pasando tiempo juntas y teniendo un momento especial”.
Así, en tan solo seis meses y con una veintena de personas a su cargo, los tres animadores se enfrentaban al proceso de dirección por primera vez, aunque no sin reservas. “No tenía claro si quería hacer algo que se fuese a quedar en una estantería y solo veríamos nosotros”, reconoce Gonzales, pero aclara que “luego fui consciente de la oportunidad que suponía crear algo con estos maravillosos artistas y me di cuenta de que tenía que aprovecharla”. Algo de lo que no se arrepiente para nada: “el momento que más disfruté fue cuando acabamos, pero por el sentimiento de realización que tuve al lograr terminar el proyecto”.
«Hay algo muy personal cuando ves por primera vez a tu dibujo moverse y decir el diálogo»
Aphton Corbin
Para Milsom, sin embargo, el momento más especial del proceso tuvo lugar durante la grabación de las voces. “Sabía que quería contar con una persona autista, que apenas dice diez palabras, para tener una representación fiel y cuando Madison Bandy, quien fue nuestra referencia a lo largo de toda la etapa creativa, vino al estudio, fue maravilloso”. Y es que la mayor preocupación de la directora era que el colectivo que protagoniza el corto se viese representado y se reconociese en el mismo. “No quería hacer algo que pudiese herir a la gente”.
Corbin, sin embargo, sentía una especial conexión con el estilo de animación escogido. “Crecí adorando el 2D y con el tiempo se ha ido perdiendo y me daba mucha pena, así que quise demostrar que la técnica podía ser fresca y divertida” explica y añade que el momento más mágico siempre es en el que se empieza a animar. “Hay algo muy personal cuando ves por primera vez a tu dibujo moverse y decir el diálogo”.
Pese a todas las complicaciones que se presentaron a lo largo del proceso de creación, Loop, Nona y Twenty Something se estrenaron a nivel interno en Pixar y, para sorpresa de sus directores, más tarde llegarían a Disney+. “Es muy sorprendente ver cómo la gente te envía mensajes agradeciéndote tu trabajo” admite Corbin. Y es que cabe recalcar que durante la gestación de estos cortos la posibilidad de que llegasen al público general no se contemplaba. “Los cortos ya no tenían que vivir delante de una película y eso implicaba que podían ser más experimentales y había que limar menos asperezas” alaba Milsom y añade que tuvieron “la oportunidad de traspasar fronteras, algo que no puedes hacer en muchos sitios”. La libertad que conllevan los Sparkshorts no es algo que ninguno se tome a la ligera. “Ellos (Pixar) sueltan y volante y nos dan a los artistas una oportunidad de contar la historia que nosotros queramos” celebra Gonzales y explica que el beneficio en mutuo pues “realmente es una manera de entrenar a la nueva generación de directores de Pixar”.
Esta nueva generación viene cargada de nuevas historias y, especialmente, de nuevas perspectivas y formas de ver el mundo. Sin embargo, mantienen el espíritu de amor por la animación y el deseo de emplear esta técnica para crear películas de una gran calidad que puedan ser disfrutadas por todo el mundo, tanto pequeños como mayores.
Desde Luxo Jr. a Nona, pasando por todos y cada uno de los cortos que Pixar ha ido regalando a lo largo de su historia, se puede ver ese hilo conductor de pasión y devoción por lo que muchos llamarían dibujos animados.
