Parece ser que sí. Que si vienes y no estoy es que me he ido. Y parece que con eso vale para terminar una relación, para poner un punto y aparte en un sentimiento no correspondido, que avivaba con fuerza en una de las partes. Si vienes y no estoy es que me he ido es una honda reflexión sobre el amor que vivimos actualmente; frenético y tantas veces lleno de miedos. Que asusta con solo mirarlo, tocarlo, tratar de sentirlo.
La obra del director Antonio Cantos no habla sobre Tinder, pero podría hacerlo. El amor es libre, mas ¿en qué momento pisamos el acelerador y cuándo el freno? ¿Estamos seguros de que la otra persona busca lo mismo? ¿Siente lo mismo? ¿Piensa lo mismo? ¿Qué es lo que buscamos nosotros? Seguramente sea el diálogo lo único que puede salvarnos y, sin embargo, qué crueles son a veces las palabras.
Esta comedia, que nos engloba a todos, versa precisamente sobre la crueldad, la dureza de las primeras impresiones y el castigo para quién se queda solo con eso. Habla de traición, egoísmo, mentiras; de esa supuesta confianza entre dos personas que se quieren, pero que son incapaces de decírselo y, peor todavía, de demostrárselo. Por orgullo, por miedo, por cobardía.
Cuestiones que se resuelven con una chispa inteligente en la representación de este intenso diálogo en los Teatros Luchana. Cuatro protagonistas; Alicia, Marta, Miguel y Enrique, se convierten en un grupo inesperado y ecléctico de personas que aparentemente buscan el amor, pero aún no se han encontrado a sí mismas.
Religión, homosexualidad, libros de autoayuda, sexo y un fuerte colocón, son los ingredientes esenciales del guion, que cuenta con momentos realmente ingeniosos que hacen estallar en carcajadas a un público entregado.
Gran parte del éxito y los aplausos se deben a la impecable interpretación de los actores, desde el principio hasta el final. Mónica Caballero, Javier Bañas, Raquel Quintana y Javier Amann ponen sus facultades interpretativas sobre el escenario que, aunque pequeño, está muy bien aprovechado, y cuyos cambios de escena (realizados por Sonia Rubio), ayudan a seguir un poco el ritmo de la obra, que, en ocasiones, corre el riesgo de perderse en los saltos en el tiempo.
Al principio de la función, un sábado noche, las luces de la sala quedan completamente apagadas. Sale a escena una de las actrices protagonistas, Alicia, una chica que insinúa no estar muy contenta consigo misma; no quererse, vaya. Y todo por Miguel, un chico que conoció hace poco y con quién no había mantenido aún relaciones sexuales. Un monólogo que desde el principio atrapa. Frases largas y rápidas, pronunciadas con la soltura de quien domina las tablas. Un vestido corto, tacones de infarto y la triste desilusión de una nota confusa.
Y así, uno a uno, van teniendo su momento. Su explicación. Su monólogo. Y posteriormente la representación en el escenario de aquello que cuentan. Una fórmula que funciona gracias a la evidente calidad de los cuatro.
La conclusión final se materializa en un pequeño speech que los actores dirigen a su público, que ayuda a comprender la idea principal de la obra y, ante todo, otorga un espacio al pensamiento. Para detenernos en nuestros pasos y recapacitar acerca de todas nuestras relaciones; desde el amor, pasando por la familia, la amistad y, por supuesto, la que tenemos con nosotros mismos.
Que nunca nos asuste irnos por un tiempo, y pasado ese tiempo, que no nos asuste volver.
